Il cervello si ripara più di quanto pensassimo

Lo studio più recente, pubblicato il 10 agosto 2026 su Nature Neuroscience, arriva dall’Università di Zurigo, dove il team guidato da Bruno Weber e composto da Marina Herwerth e Matthias Wyss come co-autori principali ha osservato per settimane, con una tecnica di microscopia a due fotoni, i cervelli di topi vivi dopo una lesione. I ricercatori hanno scoperto una popolazione specializzata di astrociti (le cellule di supporto dei neuroni, finora considerate poco più che “cellule tuttofare” del sistema nervoso) che, invece di dividersi localmente come si pensava, restano al bordo della zona danneggiata e inviano nuclei cellulari di nuova formazione attraverso lunghe propaggini fino al centro della lesione. Questo meccanismo di “migrazione nucleare” permette di ripopolare l’area colpita e ricostruire reti astrocitarie funzionanti, aprendo prospettive terapeutiche per traumi cranici e malattie autoimmuni come la neuromielite ottica.

Le ossa e la lana di pecora che aiuta a rigenerare lo scheletro

Sul fronte osseo, un gruppo del King’s College London guidato dal dottor Sherif Elsharkawy, docente di Protesi dentaria alla Faculty of Dentistry, Oral & Craniofacial Sciences, ha pubblicato il 23 aprile 2026 una ricerca che trasforma un materiale insospettabile, la cheratina estratta dalla lana di pecora, in una membrana biocompatibile per la rigenerazione ossea. I ricercatori hanno prima testato la cheratina trattata chimicamente su cellule ossee umane in laboratorio, poi l’hanno impiantata in ratti con difetti cranici che normalmente non guariscono da soli. Rispetto alle membrane di collagene oggi usate in clinica, che producono più osso in termini quantitativi, gli scaffold di cheratina hanno generato un tessuto osseo più organizzato e strutturalmente solido, con fibre meglio allineate e più simile all’osso sano naturale: un dettaglio che potrebbe rivelarsi decisivo per la qualità, e non solo la quantità, della rigenerazione.

Il fegato e la corsa contro il tempo innescata dal glutammato

Il fegato è da sempre l’organo simbolo della rigenerazione (basti pensare al mito di Prometeo), ma solo nel 2025 un team spagnolo del Centro Nacional de Investigaciones Oncológicas (CNIO) di Madrid, guidato da Nabil Djouder come autore senior e da María del Mar Rigual come prima autrice, ha pubblicato su Nature il meccanismo molecolare che scatta nei primi minuti dopo un danno epatico acuto. Gli epatociti danneggiati rilasciano glutammato nel sangue; la molecola raggiunge il midollo osseo, dove attiva i monociti, che si trasformano in macrofagi durante il tragitto verso il fegato; una volta arrivati, il glutammato riprogramma il loro metabolismo, spingendoli a secernere un fattore di crescita che stimola la proliferazione delle cellule epatiche. È, come l’hanno definita gli stessi autori, “una catena rapida di eventi” che innesca la rigenerazione in pochi minuti, e che apre alla possibilità, ancora da validare clinicamente, di integrare glutammato nella dieta di pazienti reduci da un intervento chirurgico al fegato o in attesa di trapianto.

La pelle: il freno nascosto che impedisce di guarire senza cicatrici

Perché un neonato, se ferito nell’utero, guarisce senza riportare cicatrici, mentre un adulto no? A questa domanda ha risposto un team di Harvard guidato da Ya-Chieh Hsu, con Hannah Tam come prima autrice, in uno studio pubblicato su Cell il 20 marzo 2026. I ricercatori hanno scoperto che dopo la nascita i fibroblasti della pelle aumentano l’espressione di un gene chiamato Cxcl12, che causa un eccesso di innervazione cutanea (hyperinnervation) e blocca la capacità rigenerativa tipica della vita embrionale. Bloccando Cxcl12, oppure utilizzando la tossina botulinica per interrompere questo segnale nervoso in eccesso, i ricercatori sono riusciti a ripristinare nei topi la capacità di guarigione “da embrione”, ottenendo ferite chiuse senza cicatrici visibili. Come ha sintetizzato la stessa Hsu, “la rigenerazione forse non deve essere costruita da zero: basta liberarla” da un freno biologico che il corpo adulto si porta dietro.

Il midollo spinale: dagli organoidi che “danzano” ai ratti che tornano a camminare

Sul fronte delle lesioni spinali, considerate tra le più difficili da trattare, si sono susseguiti due studi complementari. Il primo, dell’Università del Minnesota (pubblicato nel 2025 su Advanced Healthcare Materials, primo autore Guebum Han, con la neurochirurga Ann Parr e l’ingegnere Michael McAlpine nel team), ha creato uno scaffold stampato in 3D con microcanali che guidano la crescita di cellule progenitrici neurali derivate da cellule staminali umane adulte: impiantato in ratti con il midollo spinale completamente reciso, lo scaffold ha permesso alle cellule di differenziarsi in neuroni e di estendere fibre nervose in entrambe le direzioni della lesione, producendo un recupero funzionale significativo negli animali. 

Pochi mesi dopo, l’11 febbraio 2026, un team della Northwestern University guidato da Samuel I. Stupp (inventore delle cosiddette “dancing molecules”, molecole sintetiche che si muovono e comunicano con le cellule) e da Nozomu Takata come primo autore ha pubblicato su Nature Biomedical Engineering uno studio su organoidi di midollo spinale umano coltivati in laboratorio da cellule staminali pluripotenti indotte, nei quali per la prima volta è stata incorporata anche la microglia per riprodurre la risposta infiammatoria reale. Trattati con le “dancing molecules”, i tessuti danneggiati hanno mostrato una crescita neuritica sostanziale, una riduzione significativa delle cicatrici gliali e una minore infiammazione, aprendo la strada a terapie testate direttamente su modelli di tessuto umano prima ancora della sperimentazione clinica.

Il cuore: una toppa di cellule staminali per guarire senza bisturi a cielo aperto

Anche l’organo considerato meno incline all’autoriparazione, il cuore, ha fatto passi avanti. Nel novembre 2025 un team della Mayo Clinic in Arizona, guidato dal senior author Wuqiang Zhu in collaborazione con ingegneri dell’University of Nebraska Medical Center, ha pubblicato su Acta Biomaterialia lo sviluppo di una “toppa” sottile e flessibile di nano e microfibre rivestite di gelatina, che ospita una combinazione di cellule cardiache umane, cellule dei vasi sanguigni e fibroblasti, arricchita con fattori di crescita bioattivi. Il dispositivo può essere piegato come un foglio di carta, inserito in un tubo sottile e impiantato attraverso una piccola incisione toracica, senza bisogno di chirurgia a cuore aperto. Nei test, i tessuti ingegnerizzati non solo sono sopravvissuti all’impianto, ma hanno contribuito attivamente alla guarigione del cuore, migliorando la funzione cardiaca, riducendo le cicatrici, favorendo la crescita di nuovi vasi sanguigni e abbassando l’infiammazione rispetto agli approcci convenzionali.

Un mosaico di scoperte che ridisegna i limiti della biologia umana

Presi singolarmente, questi studi riguardano organi e tessuti molto diversi tra loro; letti insieme, raccontano una tendenza chiara della ricerca biomedica degli ultimi due anni: il corpo umano adulto non ha perso del tutto la capacità di rigenerarsi che possiede da embrione, ma la tiene sotto controllo attraverso freni molecolari precisi, dal gene Cxcl12 della pelle alla scarsa efficienza naturale degli astrociti cerebrali. Capire e in alcuni casi disattivare questi freni, come dimostrano gli esperimenti su topi e ratti descritti finora, è oggi l’obiettivo condiviso da laboratori che vanno da Zurigo a Madrid, da Londra a Chicago. Va detto con chiarezza che si tratta per lo più di risultati preclinici, ottenuti su modelli animali o su organoidi in laboratorio: la strada verso applicazioni sicure ed efficaci sull’uomo richiederà ancora anni di sperimentazione clinica. Ma la direzione, per la prima volta in modo così convergente tra discipline diverse, sembra la stessa: il corpo sa fare più di quanto gli abbiamo permesso di fare finora.

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Sapere quanti chilometri si percorrono aiuta a leggere meglio i dati registrati da contapassi e dispositivi digitali, soprattutto quando si usa la camminata per mantenersi attivi o controllare il peso.

Come trasformare 8.000 passi in chilometri

La conversione parte da una formula molto semplice:

distanza percorsa = numero di passi × lunghezza della falcata

La parte meno immediata è stabilire quanto misura un passo. Non esiste infatti una misura identica per tutti. Una persona alta, per esempio, tende ad avere una falcata diversa rispetto a chi ha una statura inferiore. Anche il terreno e il ritmo possono modificare la lunghezza del passo.

Considerando una falcata media compresa tra 0,60 e 0,80 metri, il risultato può essere calcolato in questo modo:

In termini pratici, quindi, 8.000 passi equivalgono spesso a circa 5-6 chilometri, ma la distanza individuale può discostarsi da questa stima.

Chi vuole ottenere un dato più vicino alla propria situazione può misurare la propria falcata e utilizzare quel valore nella formula. Anche in questo caso si tratta comunque di una misura indicativa, perché due passi consecutivi non sono mai perfettamente identici.

Quanto tempo serve per percorrere 8.000 passi

Oltre alla distanza cambia anche il tempo necessario per completare il percorso. Per una camminata di circa 5-6 chilometri, la durata indicativa può aggirarsi tra un’ora e un’ora e venti minuti.

Il tempo dipende soprattutto dall’andatura. Una camminata più veloce permette di coprire la stessa distanza in meno tempo, mentre un ritmo tranquillo la allunga. Anche le condizioni del percorso possono incidere.

Per questo motivo il numero di passi, da solo, non descrive completamente lo sforzo svolto. Due persone possono arrivare entrambe a quota 8.000 ma aver camminato per distanze e tempi differenti.

Camminare 8.000 passi può aiutare a controllare il peso

Una camminata quotidiana da 8.000 passi, equivalente grossomodo a 5-6 chilometri, può contribuire alla gestione del peso perché aumenta il movimento durante la giornata e contrasta la sedentarietà.

La regolarità conta più della singola uscita molto lunga. Camminare ogni giorno permette di distribuire l’attività lungo la settimana, ma anche alcune sessioni settimanali possono contribuire a mantenere un livello di movimento maggiore rispetto a uno stile di vita sedentario.

La camminata presenta inoltre un vantaggio pratico: può essere inserita nella giornata senza richiedere necessariamente un allenamento strutturato o un percorso escursionistico.

Quando l’obiettivo è dimagrire, aumentare il numero di passi può incrementare il dispendio energetico. Superare gli 8.000 passi non rappresenta però, da solo, una garanzia di perdita di peso. La camminata può essere affiancata ad altre attività, come corsa e allenamento muscolare.

Superare gli 8.000 passi non è sempre necessario

Una ricerca del 2023 collegata alla European Society of Cardiology indica che già intorno ai 4.000 passi al giorno possono emergere benefici sulla longevità. All’aumentare del numero di passi, il rischio di mortalità tenderebbe a ridursi ulteriormente.

Da questo punto di vista, gli 8.000 passi non rappresentano una soglia rigida. Camminare di più aumenta la quantità di attività svolta e può migliorare resistenza e dispendio calorico, ma non significa che sia indispensabile superare quella quota per ottenere benefici.

La continuità dell’attività rimane quindi uno degli aspetti più rilevanti. Una routine sostenibile di 8.000 passi può essere più facile da mantenere rispetto a obiettivi molto più elevati raggiunti solo occasionalmente.

Perché si parla così spesso di 10.000 passi

Il numero di 10.000 passi al giorno è diventato nel tempo uno dei riferimenti più conosciuti quando si parla di camminata quotidiana.

La sua diffusione viene fatta risalire al Giappone degli anni Sessanta. Nel 1964 comparvero contapassi chiamati “Manpo-kei”, espressione traducibile letteralmente come “10.000 passi al giorno”.

Da allora quella cifra ha assunto un valore simbolico molto forte, fino a diventare un obiettivo ricorrente nei programmi di attività quotidiana. Il calcolo degli 8.000 passi mostra però che non esiste una sola distanza valida per tutti e che il numero visualizzato sul contapassi va interpretato insieme alla lunghezza della falcata e al tempo trascorso in movimento.

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La mostra aprirà al pubblico il 10 settembre, nella Sainsbury Exhibitions Gallery, e resterà visibile fino all’11 luglio 2027: un prestito storico, concordato tra Francia e Regno Unito, che ha già esaurito i biglietti per i primi mesi di apertura e che gli osservatori definiscono un evento culturale irripetibile, viste le condizioni di fragilità estrema del manufatto e la ferma contrarietà che la Francia aveva sempre opposto in passato a farlo uscire dai propri confini.

Cos’è davvero l’arazzo di Bayeux

Nonostante il nome con cui è conosciuto in tutto il mondo, l’arazzo di Bayeux non è tecnicamente un arazzo, bensì un ricamo: lana colorata cucita su un fondo di lino sbiancato, non tessuta al telaio. È lungo circa 68-70 metri e alto appena 50 centimetri, realizzato su nove pannelli di lino cuciti insieme, con quattro tonalità di filo di lana e cinque diversi punti di ricamo. Lungo il suo sviluppo compaiono oltre 600 figure umane e quasi 750 animali, che si snodano in una narrazione visiva continua, accompagnata da brevi didascalie in latino: un vero e proprio fumetto ante litteram, considerato ancora oggi l’unica testimonianza pittorica sopravvissuta della conquista normanna dell’Inghilterra.

La storia che racconta e chi lo creò

L’opera narra gli eventi che, tra il 1064 e il 1066, portarono Guglielmo il Conquistatore, duca di Normandia, a rivendicare il trono d’Inghilterra e a sconfiggere Aroldo Godwinson nella celebre battaglia di Hastings. 

Si parte dal viaggio di Aroldo in Normandia e dal giuramento di fedeltà che avrebbe prestato a Guglielmo, per proseguire con la morte di Re Edoardo il Confessore, l’incoronazione dello stesso Aroldo e, infine, lo scontro decisivo del 14 ottobre 1066, che si conclude con la morte di Aroldo — colpito, secondo la tradizione, da una freccia in un occhio — e il trionfo del duca normanno.

Gli storici ritengono che il committente sia stato Oddone di Bayeux, vescovo della città normanna e fratellastro di Guglielmo il Conquistatore, la cui immagine compare con particolare frequenza ed enfasi lungo tutta la narrazione. Quanto alla realizzazione materiale, la maggior parte degli studiosi concorda oggi che l’arazzo sia stato prodotto in Inghilterra, probabilmente nell’area di Canterbury, intorno al 1070-1077, a opera di ricamatrici inglesi le cui capacità erano allora ammirate in tutta Europa. Il disegno preparatorio, invece, sarebbe stato affidato a un artista che conosceva bene l’arte dell’illuminazione dei manoscritti prodotti nei monasteri della regione.

Un viaggio rocambolesco attraverso i secoli

La sopravvivenza dell’arazzo fino a oggi è stata tutt’altro che scontata. Per secoli rimase pressoché sconosciuto fuori da Bayeux, dove veniva esposto ogni anno nella navata della cattedrale e conservato, per il resto del tempo, in un baule di legno: la prima menzione documentata risale a un inventario ecclesiastico del 1476. Il momento più drammatico arrivò con la Rivoluzione Francese: nel 1792 l’opera rischiò di essere tagliata a pezzi per farne teli di copertura per i carri dei soldati, e fu salvata solo grazie all’intervento provvidenziale di un avvocato francese. Due anni dopo, nel 1794, la Commissione delle Arti la requisì “a nome della Nazione”, garantendone così la protezione definitiva.

Non finì qui: nel 1803-1804 Napoleone Bonaparte, che stava valutando un’invasione dell’Inghilterra, volle l’arazzo esposto al Louvre come strumento di propaganda, per ricordare ai francesi che la Manica era già stata attraversata con successo secoli prima. Durante la Seconda guerra mondiale l’opera fu requisita anche dai nazisti, che la trasferirono a Parigi con l’intenzione — secondo alcune ricostruzioni, legata a un interesse personale di Heinrich Himmler per le origini “germaniche” dei popoli normanni — di portarla infine a Berlino; fu recuperata dagli Alleati alla liberazione della capitale francese. 

Da allora l’arazzo ha lasciato Bayeux solo in queste due occasioni, entrambe legate, non a caso, a ipotesi di invasione dell’Inghilterra mai realmente compiute.

Perché è un manufatto così prezioso e fragile

Al di là del suo straordinario valore storico e narrativo, l’arazzo di Bayeux è oggi un oggetto estremamente delicato. Uno studio conservativo condotto nel 2020 ha censito sul tessuto oltre 24.000 macchie, più di 16.000 pieghe, quasi 10.000 piccoli difetti e circa 30 strappi non più stabilizzabili: la fragilità della tela è stata per anni il principale argomento contro qualunque ipotesi di prestito internazionale. 

Per il trasferimento a Londra sono state adottate misure eccezionali: il trasporto è avvenuto su strada attraverso il tunnel della Manica, per evitare le vibrazioni di un volo o di una traversata via mare, dentro una cassa climatizzata dotata di uno speciale sistema di sospensione, dopo prove effettuate con repliche del manufatto per simulare ogni fase del viaggio. 

Il costo dell’operazione si aggira attorno a 1,4 milioni di euro, mentre il valore assicurativo dell’opera è stato fissato a circa 940 milioni di euro, il doppio del dipinto più costoso mai venduto all’asta. Non stupisce che una petizione contraria al prestito abbia raccolto quasi 80.000 firme, né che la Francia avesse respinto richieste analoghe in passato: già nel 2018 Emmanuel Macron aveva annunciato un prestito poi annullato proprio per il timore di danneggiare irreparabilmente l’opera.

Curiosità e misteri mai del tutto risolti

Attorno all’arazzo di Bayeux si sono stratificate nei secoli leggende e domande a cui gli storici non hanno ancora dato risposta definitiva. La più diffusa è quella secondo cui sarebbe stato ricamato personalmente dalla regina Matilde, moglie di Guglielmo il Conquistatore, insieme alle sue dame di corte: un mito romantico, all’origine del nome francese “Tapisserie de la Reine Mathilde”, che però non trova alcun riscontro nelle fonti storiche e che gli studiosi contemporanei considerano ormai smentito.

Uno dei veri enigmi mai risolti riguarda invece una misteriosa figura femminile di nome Ælfgyva, che compare in una sola scena accanto a un religioso, con una didascalia criptica — “dove Ælfgyva e il chierico” — che allude a uno scandalo evidentemente ben noto agli spettatori dell’epoca, ma di cui oggi si è persa la memoria: alcuni studiosi hanno ipotizzato che si tratti di Emma di Normandia, imparentata con lo stesso Guglielmo, ma l’identità del personaggio resta oggetto di dibattito. 

Proprio accanto a questa scena, nel bordo decorativo inferiore, compare una figura maschile nuda che sembra rispecchiare la posa del religioso: un dettaglio che rafforza l’ipotesi di un’allusione a uno scandalo sessuale dell’epoca, uno dei tanti indizi “piccanti” nascosti nei margini dell’opera, che ospitano complessivamente centinaia di animali fantastici e scene di vita quotidiana, spesso in aperto contrasto ironico con la solennità della narrazione principale.

Un altro dettaglio curioso è la presenza della cometa di Halley, raffigurata subito dopo l’incoronazione di Aroldo come un presagio di sventura, collegata visivamente a una spettrale flotta di navi che allude al disastro imminente: un’associazione suggestiva, anche se storicamente la cometa fu osservata solo nell’aprile del 1066, alcuni mesi dopo l’incoronazione. Resta infine un mistero anche il finale dell’opera: l’arazzo, danneggiato, si interrompe bruscamente poco dopo la morte di Aroldo, ed è quasi certo che l’ultima parte — che avrebbe potuto raffigurare l’incoronazione di Guglielmo — sia andata perduta nel corso dei secoli.

La mostra al British Museum: cosa vedranno i visitatori

Al momento la mostra non è ancora accessibile al pubblico: l’opera è arrivata nel Regno Unito solo poche settimane fa e il museo è impegnato negli ultimi preparativi in vista dell’apertura, fissata per il 10 settembre 2026. L’allestimento londinese è stato progettato tenendo conto proprio dell’estrema fragilità del manufatto: l’arazzo, per la prima volta, sarà esposto disteso in orizzontale a un’altezza di circa 80 centimetri, anziché in verticale come avveniva a Bayeux, così da ridurre lo stress meccanico sul tessuto. 

Il percorso di visita, a senso unico, durerà circa quaranta minuti, si snoderà in ambienti con livelli di luce volutamente bassi per motivi conservativi e sarà arricchito da animazioni e apparati multimediali di supporto alla lettura delle scene; sarà consentito fotografare, ma senza flash. I biglietti standard per adulti partono da 25 sterline nella fascia super-ridotta fino a 33 sterline nella tariffa piena, con ingresso gratuito per gli under 16 accompagnati; le prenotazioni per il periodo tra settembre e dicembre 2026 sono già esaurite.

Il prestito, va ricordato, non è a senso unico: in cambio dell’arazzo, il British Museum invierà in Francia due dei suoi tesori più identitari, l’elmo di Sutton Hoo, simbolo per eccellenza della cultura anglosassone precedente alla conquista normanna, e gli scacchi di Lewis, il celebre set di pedine medievali dagli sguardi inconfondibili. Un ideale scambio simbolico tra le due sponde della Manica, mille anni dopo la battaglia che cambiò per sempre la storia d’Inghilterra.

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Hayden Panettiere è morta domenica 16 agosto, a 36 anni. L’autopsia è stata eseguita, ma l’Ufficio del Coroner della contea di Greenville ha comunicato che causa e modalità del decesso restano in attesa di ulteriori accertamenti.

Cosa è stato accertato

Un elemento è già stato escluso.

Nella nota diffusa dal Coroner si legge che “non siano stati riscontrati elementi traumatici”. Non risultano quindi segni di trauma che possano aver contribuito al decesso.

Anche gli inquirenti hanno chiarito un punto. La polizia di Greenville ha riferito che l’indagine preliminare “non ha indicato alcun segno di dolo o circostanze sospette”.

Cosa non è stato accertato

Tutto il resto.

Le analisi medico-legali proseguono, e l’esito definitivo arriverà soltanto al termine degli approfondimenti tecnici. È una tempistica ordinaria per esami di questo tipo.

Cosa dice l’audio dei soccorsi

C’è poi un elemento che ha alimentato le ricostruzioni delle ultime ore, e va riportato per quello che è.

Secondo l’audio delle comunicazioni di soccorso diffuso da TMZ, i primi soccorritori furono inviati sul posto per praticare la rianimazione cardiopolmonare su una persona che poteva aver avuto un’overdose. Sul posto è stato somministrato Narcan, il farmaco impiegato in caso di sospetta intossicazione da oppioidi.

Un dettaglio analogo emerge dall’audio ottenuto da People, dove il personale intervenuto discuteva di un’overdose e di un arresto cardiaco.

Sono comunicazioni operative tra soccorritori, formulate sulla base di quanto riferito al momento della chiamata. Non costituiscono un accertamento clinico, e nessuna autorità ha finora confermato quell’ipotesi.

Come si sono svolti i fatti

La ricostruzione delle autorità locali definisce la cronologia.

Polizia e personale sanitario sono intervenuti presso un’abitazione dei Judson Mill Lofts, su Easley Bridge Road, a Greenville, in South Carolina, intorno alle 13.50 di domenica, dopo la segnalazione di una donna priva di sensi.

I soccorritori hanno praticato le manovre di assistenza cardiaca avanzata. Il decesso è stato dichiarato sul posto alle 14.32.

A comporre il numero di emergenza è stato un conoscente dell’attrice, la cui identità non è stata resa nota.

Il caso è seguito dalla Greenville Police Department insieme all’Ufficio del Coroner della contea.

L’annuncio della famiglia

La conferma è arrivata dal padre, Skip Panettiere, che ha parlato ad ABC News la sera di domenica.

“È con profonda tristezza che condividiamo la tragica scomparsa della nostra amata Hayden. Era una luce incredibile e una forza della natura, che ha portato amore e gioia immensi a tutti coloro che l’hanno conosciuta, e ai milioni di persone che l’hanno vista sullo schermo”, ha dichiarato.

Ha quindi chiesto riservatezza “mentre la nostra famiglia si prende il tempo per elaborare questa perdita inimmaginabile”.

Il secondo lutto in tre anni

Per i genitori si tratta della seconda perdita nel giro di pochi anni.

Nel febbraio del 2023 era morto il fratello minore, Jansen Panettiere, a 28 anni, per complicazioni legate a una patologia cardiaca.

Chi era

Diventata celebre giovanissima, l’attrice statunitense è stata protagonista delle serie “Heroes” e “Nashville”, oltre che di film come “Il sapore della vittoria” e “Sfida sul ghiaccio”.

Negli ultimi anni aveva parlato pubblicamente delle proprie difficoltà, raccontandole nell’autobiografia “ This Is Me: A Reckoning “: la fama arrivata da bambina, la maternità, la salute mentale e la perdita del fratello.

Cosa aspettarsi ora

L’esito degli esami tossicologici richiederà settimane.

Fino ad allora, ogni indicazione sulla causa del decesso resterà un’ipotesi. Le autorità hanno annunciato che comunicheranno l’esito definitivo al termine degli approfondimenti.

Se tu o una persona che conosci state affrontando difficoltà legate alle dipendenze o alla salute mentale, parlarne con il medico di base o con un servizio specializzato è il primo passo utile.

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Una bambina statunitense di sei anni è morta dopo essere rimasta chiusa per ore all’interno dello scuolabus che avrebbe dovuto accompagnarla a scuola.

Dove e quando

I fatti risalgono a giovedì scorso, in Tennessee, negli Stati Uniti.

Il mezzo era collegato al Kid University daycare center di Cordova, nell’hinterland di Memphis.

Ogni giorno il bus prelevava la bambina da casa e la conduceva alla scuola elementare Macon-Hall, per poi tornare a prenderla al termine delle lezioni e riportarla al centro.

Cosa non ha funzionato

Quel giovedì la bambina a scuola non è mai arrivata.

L’autista, una donna, non si è accorta che la piccola non era scesa. Ha proseguito la corsa e ha parcheggiato il mezzo nell’area di sosta dell’asilo, senza controllare se sui sedili fosse rimasto qualcuno.

Il ritrovamento

La scoperta è avvenuta solo nel primo pomeriggio.

La stessa autista stava per rimettersi al volante, per andare a riprendere i bambini a scuola, quando ha visto la piccola esanime sui sedili posteriori.

Gli agenti del dipartimento di polizia locale e i servizi di emergenza medica sono intervenuti presso la struttura poco prima delle 15.30.

La bambina è stata trasportata d’urgenza in ospedale, dove è arrivata in condizioni critiche. I medici ne hanno dichiarato il decesso poco dopo.

Le condizioni di quel giorno

In città la temperatura esterna si aggirava intorno ai 36 gradi.

All’interno del mezzo, con finestrini e porte chiusi, i valori erano nettamente superiori.

Alcuni testimoni hanno riferito dello stato dell’autista, in lacrime e sotto shock dopo il ritrovamento.

La condizione della bambina

C’è un elemento che rende la vicenda ancora più difficile da leggere.

La piccola soffriva di autismo non verbale e non era in grado di comunicare autonomamente.

È il punto che ha sollevato lo zio: “Non era in grado di difendersi. Non poteva parlare e dire ‘Ehi, sono ancora sull’autobus’, posso solo immaginare cosa provasse a stare chiusa in un autobus per così tanto tempo senza finestrini abbassati, senza porte aperte, senza niente”.

La domanda sui protocolli

Nello stesso intervento il familiare ha posto una questione che va oltre il singolo episodio.

“Ci si aspetta che questi posti abbiano dei protocolli per garantire che una cosa del genere non accada mai ma chiaramente non è stato così”, ha dichiarato.

Le indagini

La polizia ha avviato gli accertamenti per ricostruire i fatti.

Al momento non risultano arresti.

Non è la prima volta

L’episodio si inserisce in una casistica purtroppo nota.

Nella sola area di Memphis si contano due precedenti, risalenti rispettivamente a nove e a quattro anni fa.

Tragedie analoghe, verificatesi in diversi Paesi, hanno spinto le autorità ad adottare contromisure. In Italia, per esempio, è stato introdotto l’obbligo dei dispositivi anti abbandono sulle automobili.

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Da Dundaga all’Ucraina: le misteriose origini di un mito controverso

Arvīds Blūmentāls nacque nel 1925 in una fattoria vicino a Dundaga, un piccolo villaggio nella regione lettone della Curlandia. Per tutta la vita amò presentarsi come “Arvid von Blumenthal”, discendente esiliato di un’antica famiglia nobile baltico-tedesca: un titolo di barone che, secondo gli storici che si sono occupati di lui, fu più un’invenzione personale che una reale discendenza aristocratica, ma che contribuì non poco al suo fascino da personaggio fuori dal comune.

La sua gioventù si intreccia con le pagine più buie del Novecento europeo. A soli diciassette anni, falsificando la propria età, si arruolò nella polizia ausiliaria tedesca, prestando servizio nel 25° battaglione Abava in Ucraina prima di passare, nel 1943, alla Legione Lettone, unità combattente delle Waffen-SS. Alla fine della guerra, nel 1945, rimosse le insegne delle SS e il tatuaggio identificativo, dichiarando falsamente alle forze alleate di essere stato un lavoratore forzato, nel tentativo di evitare la prigionia come prigioniero di guerra. Gli storici che ne hanno ricostruito la biografia lo descrivono come un “avventuriero mercenario” in cerca di una via di fuga dalla vita contadina, arrivato troppo tardi nel conflitto per essere considerato responsabile diretto dei crimini commessi da altri reparti della Legione.

La fuga in Australia e gli anni della caccia ai coccodrilli

Nel 1947 Blūmentāls si arruolò nella Legione Straniera francese, e nel 1951 emigrò infine in Australia, dove anglicizzò il proprio nome impronunciabile in “Harry”. Fu proprio in questi anni che nacque il soprannome che lo avrebbe reso celebre in tutto il mondo: per circa tredici anni, tra gli anni Cinquanta e Sessanta, batté il Queensland e il Territorio del Nord come cacciatore professionista di coccodrilli, un mestiere allora ancora legale e redditizio grazie al commercio di pelli. Le stime sul numero di animali uccisi variano moltissimo a seconda delle fonti, tra le diecimila e le quarantamila unità, e la leggenda vuole che catturasse a mani nude gli esemplari più piccoli, fino a due metri di lunghezza. Quando la caccia al coccodrillo fu vietata, verso la fine degli anni Sessanta, Harry si trovò improvvisamente senza un mestiere e senza una identità: fu allora che scelse Coober Pedy.

L’arrivo a Coober Pedy e la nascita del “Nido del Coccodrillo”

Coober Pedy è una cittadina mineraria del Sud Australia famosa in tutto il mondo per essere in gran parte sotterranea: case, chiese e persino alberghi sono scavati nella roccia per proteggere gli abitanti dal calore implacabile del deserto. Fu qui che, a metà degli anni Settanta, Crocodile Harry si stabilì per reinventarsi come minatore di opali, scavando con le proprie mani un dugout, cioè un’abitazione sotterranea, che sarebbe presto diventata leggendaria con il nome di “Crocodile Harry’s Underground Nest”, il Nido Sotterraneo di Crocodile Harry.

Quello che era nato come un semplice rifugio dal caldo si trasformò rapidamente in un’opera d’arte totale e in un’attrazione turistica a pagamento, che lo stesso Harry amava mostrare personalmente ai visitatori raccontando aneddoti, spesso amplificati, sulla propria vita avventurosa.

Un museo di stranezze: ossa, graffiti e trofei intimi

Ciò che rende davvero unica la casa-museo di Crocodile Harry è il suo interno: le pareti curve scavate nella roccia sono ricoperte da un’accozzaglia stupefacente di oggetti recuperati, ossa di animali, dipinti primitivi, sculture e graffiti tribali, in parte realizzati dallo stesso Harry e in parte lasciati nel tempo dai visitatori, che hanno reso ogni centimetro di soffitto e di muro una sorta di diario collettivo. Chi entra nel dugout racconta la sensazione di essere catapultato in un’altra dimensione, quasi in un altro pianeta, tanto l’atmosfera è distante da qualsiasi casa convenzionale.

L’elemento più discusso e chiacchierato della sua collezione, però, resta un altro: centinaia di reggiseni e mutandine femminili appesi alle pareti come trofei. Harry, infatti, coltivò per tutta la vita fama di irriducibile donnaiolo, e amava raccontare che ogni capo di biancheria intima esposto nella sua tana rappresentasse una conquista amorosa, reale o vantata che fosse. Una stranezza che, unita al resto dell’arredamento, ha contribuito non poco a costruire il mito del personaggio ben oltre i confini dell’Australia.

Un set cinematografico nel deserto

Grazie al suo aspetto insolito e post-apocalittico, il dugout di Harry attirò presto anche l’attenzione dell’industria cinematografica: la sua “tana” fu utilizzata come location per una scena di “Mad Max Oltre la sfera del tuono” (Mad Max: Beyond Thunderdome, 1985) e, secondo alcune fonti, anche per il film di fantascienza “Pitch Black”. Questi cameo cinematografici contribuirono a trasformare un’eccentrica abitazione privata in una tappa quasi obbligata per chi visitava la regione, rafforzando ulteriormente la fama internazionale del suo proprietario.

Il presunto legame con Crocodile Dundee e gli ultimi anni

Quando nel 1986 uscì nelle sale “Crocodile Dundee”, con Paul Hogan nei panni dell’iconico cacciatore australiano, molti osservatori e diversi necrologi accostarono immediatamente la figura di Harry a quella del personaggio cinematografico, sostenendo che ne fosse stato l’ispiratore. Si tratta però di un legame che lo stesso Paul Hogan ha sempre negato con decisione, e che resta tuttora oggetto di discussione tra storici e appassionati.

Negli ultimi anni della sua vita, Harry si dedicò sempre più alla scultura e, secondo alcune ricostruzioni, sposò una cantante tedesca di nome Marta. Morì il 13 ottobre 2006, all’età di 81 anni, e fu sepolto nel cimitero locale di Coober Pedy, il cosiddetto Boot Hill Cemetery. Anche il suo villaggio natale, Dundaga, in Lettonia, ha voluto onorarlo con una statua in cemento raffigurante un coccodrillo e con una mostra permanente a lui dedicata all’interno del castello medievale del paese.

Un’attrazione che sopravvive al suo creatore

A vent’anni dalla morte del suo eccentrico proprietario, il dugout di Crocodile Harry continua a essere visitabile a Coober Pedy, lungo la 17 Mile Road, poco fuori dal centro cittadino. L’ingresso, in genere a offerta libera o a pochi dollari, permette ai turisti di aggirarsi in autonomia tra le stanze scavate nella roccia, ancora oggi tappezzate di cimeli, biancheria intima, ossa e graffiti lasciati da decenni di visitatori. Più che un semplice museo, il Nido Sotterraneo resta la testimonianza tangibile di una vita vissuta ai margini della normalità: quella di un uomo che si reinventò più volte, tra guerra, giungle tropicali e deserti di roccia, trasformando infine la propria stessa casa nell’ultima, definitiva opera della sua leggenda personale.

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Si tratta del trailer di “Wicker”, il film fantasy-romantico con Olivia Colman e Alexander Skarsgård che promette di essere una delle sorprese più bizzarre e discusse dell’autunno cinematografico 2026. Un’anteprima che, tra immagini oniriche e un protagonista maschile letteralmente intrecciato con rami di vimini, ha immediatamente acceso la curiosità del pubblico, spingendo migliaia di spettatori a chiedersi da dove arrivi davvero questa storia.

Di cosa parla Wicker: la trama del film

Al centro della vicenda c’è una pescatrice emarginata dalla propria comunità di villaggio, interpretata da Olivia Colman, che decide di commissionare a un misterioso e magico cestaio, interpretato da Peter Dinklage, un marito fatto interamente di vimini. 

Il “marito di vimini”, a cui dà vita Alexander Skarsgård con un elaborato costume intrecciato, si rivela un compagno perfetto: gentile, premuroso, sempre disponibile. Ma proprio questa perfezione, unita alla rinnovata felicità e sicurezza della protagonista, scatena l’invidia e il malumore degli altri abitanti del villaggio, dando il via a una serie di intrighi e complicazioni che trasformano quella che sembrava una favola dolce in una storia molto più ambigua e stratificata. 

Nel cast compaiono anche Elizabeth Debicki, nei panni della moglie del sarto del villaggio, oltre a Richard E. Grant, Marli Siu e Nabhaan Rizwan.

Il tono del trailer, così come del film, dal punto di vista narrativo, mescola la commedia assurda con il fascino sospeso di una fiaba per l’infanzia, per poi virare verso un’ironia più adulta e persino sensuale: un mix che ha fatto immediatamente parlare di sé, complice anche la popolarità del genere “romantasy”, cioè romanzi e film che fondono romance e fantasy con un tono più maturo, oggi in forte crescita di gradimento tra il pubblico.

Wicker è basato su un libro: la storia originale

“Wicker” non nasce da una sceneggiatura originale, ma è l’adattamento cinematografico di un racconto breve intitolato “The Wicker Husband” (“Il marito di vimini”), scritto dall’autrice britannica Ursula Wills-Jones nel 2008. Il racconto, pubblicato per la prima volta come e-book di appena quattordici pagine, racconta la storia di una ragazza isolata e derisa dal proprio villaggio a causa del suo aspetto, che si rivolge a un cestaio per farsi costruire un marito di vimini su misura. Dopo il matrimonio, la coppia diventa bersaglio dell’invidia della comunità, che tesse una trama di inganni per distruggere la loro relazione, portando a conseguenze drammatiche e a un finale dai toni quasi vendicativi e magici.

Il racconto di Wills-Jones è apprezzato dai lettori soprattutto per la sua capacità di usare il registro della fiaba morale per esplorare temi più adulti, come l’invidia sociale e i limiti di ciò che si può davvero chiedere a una relazione, anche quando l’altra persona sembra “troppo perfetta” per essere reale. Prima di diventare un film, la storia aveva già conosciuto un’altra vita sui palcoscenici britannici, dove era stata trasformata in un musical teatrale con elaborate scenografie di pupazzi, firmato dal compositore Darren Clark.

Il salto dal palco al grande schermo

Il passaggio dal racconto breve al film non è stato quindi diretto, ma attraverso una tappa intermedia teatrale che ha contribuito a costruire nel tempo un piccolo culto attorno alla storia, prima che arrivasse l’attenzione di Hollywood. La sceneggiatura del lungometraggio porta la firma della coppia di registi e sceneggiatori Alex Huston Fischer ed Eleanor Wilson, che hanno curato sia la regia sia l’adattamento del testo originale, cercando di preservare l’equilibrio tra favola e critica sociale che caratterizzava già il racconto di partenza.

Le riprese principali del film si sono svolte a Budapest e si sono concluse nel settembre 2025. Tra i produttori figura la stessa Olivia Colman, protagonista della pellicola, insieme a Ed Sinclair, Tom Carver e David Michôd, per una produzione che coinvolge diverse case, tra cui Topic Studios, Tango Entertainment e South of the River Pictures.

Dal Sundance alle sale: quando uscirà Wicker

“Wicker” ha debuttato in anteprima mondiale al Sundance Film Festival, il 24 gennaio 2026 a Park City, nello Utah, ricevendo le prime reazioni del pubblico specializzato e contribuendo a costruire l’attesa attorno al progetto. 

Poco dopo, nel febbraio 2026, i diritti di distribuzione per il Nord America sono stati acquisiti da Black Bear Pictures, che ha fissato l’uscita nelle sale americane per il 23 ottobre 2026, con un’espansione nazionale prevista per il 30 ottobre, giusto in tempo per la stagione di Halloween, perfettamente in linea con l’atmosfera sospesa tra fiaba e inquietudine del film.

Perché il trailer sta facendo così tanto parlare di sé

La diffusione del trailer ufficiale ha acceso in modo quasi immediato l’interesse del pubblico online, complice un’estetica visiva fortemente riconoscibile, un cast di altissimo livello e una premessa narrativa che sembra uscita da un incrocio tra una fiaba dei fratelli Grimm e una moderna storia “romantasy” per adulti. 

Non stupisce, quindi, che tra le ricerche correlate al film sia esplosa proprio la domanda sulle origini letterarie della storia: gli spettatori, incuriositi dal tono insolito e dal personaggio del marito di vimini, hanno voluto capire se dietro quella trama così originale si nascondesse un romanzo, un mito popolare o, come effettivamente è, un racconto breve capace di attraversare quasi indenne il salto dalla pagina scritta, al palcoscenico, fino al grande schermo.

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Tre elementi diversi che raccontano una Pompei meno semplice e più stratificata di quanto suggeriscano oggi le sue rovine.

La Villa di Poppea mostra il lusso delle élite romane

Fuori dalla città, la Villa di Poppea, attribuita alla seconda moglie dell’imperatore Nerone, continua a restituire particolari della vita delle fasce più ricche della società romana.

Gli ambienti conservano decorazioni di grande ricchezza.

Tra quelle recentemente emerse figurano affreschi con pavoni dai colori vivaci e maschere teatrali, realizzati con pigmenti che hanno resistito per secoli.

L’edificio è attualmente interessato da una campagna di restauro.

Gli apparati decorativi offrono una misura immediata del livello economico dei proprietari: non si trattava semplicemente di una residenza ampia, ma di uno spazio progettato anche per esibire gusto, disponibilità economica e prestigio.

I motivi pittorici e la qualità dei colori costituiscono quindi un’altra tessera per ricostruire gli ambienti frequentati dalle élite romane dell’area vesuviana.

Le case di Pompei non erano basse come appaiono oggi

Passeggiando tra le rovine moderne si potrebbe immaginare Pompei come una città composta soprattutto da edifici sviluppati al piano terra.

Le tracce rimaste raccontano però solo una parte dell’architettura originaria.

Le ricostruzioni elaborate a partire dalla scala di una delle abitazioni suggeriscono l’esistenza di piani superiori e vere e proprie torri.

Strutture simili potrebbero essere state presenti in numerose proprietà.

Questi livelli alti avrebbero permesso agli abitanti di osservare il paesaggio circostante da una posizione privilegiata, trasformando la verticalità dell’edificio in un indicatore della disponibilità economica dei proprietari.

Più un’abitazione saliva, maggiore poteva essere il valore sociale associato alla casa.

La “Pompei perduta” è anche quella che non vediamo più

Il problema deriva dalla conservazione.

La parte più visibile della città antica corrisponde soprattutto ai livelli inferiori degli edifici, mentre molte strutture poste in alto sono andate perdute.

Per questo le scale diventano particolarmente informative.

La loro presenza permette di capire che sopra i muri conservati esistevano altri ambienti, terrazze o strutture panoramiche.

Gabriel Zuchtriegel, direttore del Parco archeologico di Pompei, ha spiegato:

«Ciò che chiamiamo “la Pompei perduta” è costituito dai piani superiori degli edifici, che sono essenziali per comprendere la vita nella città».

La frase mette in evidenza un limite evidente della percezione moderna: ciò che oggi appare come una città bassa potrebbe essere soltanto la parte sopravvissuta di un paesaggio urbano molto più articolato in altezza.

L’altezza delle abitazioni poteva indicare la ricchezza

La disponibilità economica non emergeva soltanto dagli affreschi o dalle dimensioni delle stanze.

Anche lo sviluppo verticale della casa poteva diventare una forma di distinzione.

Una torre o un piano superiore aggiuntivo offrivano spazio e una vista più ampia sul territorio circostante.

Il belvedere domestico diventava così parte dell’esperienza quotidiana delle famiglie più abbienti.

La Pompei romana assume quindi una fisionomia diversa: non semplicemente un susseguirsi di domus basse lungo le strade, ma un insieme di edifici con altezze differenti, capaci di modificare sensibilmente il profilo urbano.

Quei fori nel muro potrebbero raccontare una battaglia

Un altro elemento porta invece lontano dalla vita domestica.

L’analisi di alcuni impatti presenti su un muro ha riaperto l’ipotesi dell’esistenza di una particolare macchina da guerra antica.

La disposizione dei fori, insieme alla loro forma e profondità, potrebbe essere compatibile con il funzionamento del polybolos.

Si tratterebbe di una sorta di dispositivo meccanico capace di lanciare frecce in rapida successione.

Il meccanismo veniva azionato tramite una manovella e, almeno nella descrizione tramandata, permetteva di produrre una sequenza di tiri molto più veloce rispetto alle armi tradizionali.

Cos’era il polybolos

Il polybolos è conosciuto attraverso una descrizione attribuita a Filone di Bisanzio.

La macchina avrebbe avuto un sistema capace di caricare e lanciare ripetutamente i proiettili, in modo quasi continuo.

Il problema è che nessun esemplare è mai stato ritrovato.

Per molto tempo, quindi, è rimasto difficile capire fino a che punto la descrizione corrispondesse a un dispositivo realmente utilizzato.

Gli impatti osservati sul muro potrebbero offrire una prova indiretta.

La loro regolarità non sembra facilmente compatibile con le armi antiche conosciute.

Non si tratta però del ritrovamento del polybolos stesso: l’ipotesi deriva dai segni lasciati sulla struttura e dalla difficoltà di attribuirli ad altri strumenti noti.

Perché quegli impatti attirano tanta attenzione

La forma dei fori non è l’unico elemento.

Conta anche la loro disposizione.

Una sequenza regolare di colpi, con caratteristiche simili, può suggerire che i proiettili siano stati lanciati attraverso un sistema capace di ripetere il gesto con precisione.

Se l’interpretazione fosse corretta, si avrebbe un indizio raro sull’impiego reale di una tecnologia militare finora conosciuta soprattutto attraverso le descrizioni antiche.

Il passaggio resta delicato: da una parte c’è il testo che racconta l’esistenza della macchina, dall’altra una serie di tracce materiali che potrebbero essere compatibili con il suo utilizzo.

Manca ancora l’elemento decisivo, cioè l’arma stessa.

Quanto resta ancora da scoprire a Pompei

La questione più ampia riguarda ciò che continua a trovarsi sotto terra.

Se circa un terzo del sito non è stato ancora scavato, l’immagine oggi disponibile di Pompei resta inevitabilmente incompleta.

Ogni nuova indagine può modificare aspetti che sembravano acquisiti: la struttura delle case, la vita delle famiglie ricche, il paesaggio urbano e persino le tecnologie utilizzate in età antica.

Le nuove informazioni provenienti dalla Villa di Poppea, dalle ricostruzioni dei piani superiori e dagli impatti sui muri mostrano quanto sia ancora possibile ricavare anche da dettagli apparentemente secondari.

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L’Italia è quarta. Davanti a noi ci sono Lussemburgo, Svizzera e Svezia.

Il dato che sorprende

I tre Paesi che precedono l’Italia registrano rispettivamente 562, 357 e 267 furti ogni 100.000 abitanti.

Sono nazioni che l’immaginario collettivo associa a tutt’altro. Eppure, sul rapporto tra furti e popolazione, stanno tutte davanti.

Va precisato un aspetto: si tratta di tassi rapportati agli abitanti, non di valori assoluti. In termini di numeri complessivi il quadro sarebbe diverso, data la differenza di popolazione tra i Paesi coinvolti.

Quante auto spariscono in Italia

L’analisi è stata realizzata da Facile.it sulle statistiche ufficiali del Ministero dell’Interno, Dipartimento della Pubblica Sicurezza.

Il totale annuo si aggira intorno alle 136.000 autovetture sottratte. Ogni giorno ne spariscono più di 285.

Non è quindi un fenomeno in calo, né relegato ai margini della cronaca.

Le tre regioni che concentrano il fenomeno

La classifica nazionale vede al primo posto la Campania, con 26.445 denunce.

Segue il Lazio con 18.071 casi. Al terzo posto la Sicilia, con 15.555 veicoli sottratti.

Messe insieme, queste tre regioni raccolgono poco più del 44% di tutte le denunce presentate nel Paese.

L’altra estremità della classifica

All’estremo opposto la distanza è impressionante.

Le regioni con il minor numero di furti sono il Friuli-Venezia Giulia con 239 casi, il Trentino-Alto Adige con 170 e la Valle d’Aosta con 20.

Il confronto tra la prima e l’ultima è di oltre 1.300 a uno. Anche tenendo conto delle differenze di popolazione e di parco circolante, resta uno scarto notevole.

Non solo l’auto intera

C’è un aspetto del fenomeno meno visibile ma altrettanto rilevante.

Il quadro si collega infatti al mercato nero dei componenti, con le organizzazioni criminali interessate non soltanto al veicolo nel suo complesso ma anche ai ricambi più richiesti.

Le cinque regole per ridurre il rischio

Insieme ai numeri, l’analisi propone un vademecum in cinque punti.

Il primo riguarda il parcheggio: vanno evitate le zone isolate, poco illuminate o nascoste da vegetazione fitta.

Il secondo riguarda ciò che resta a bordo. Gli oggetti vanno nascosti, anche quelli di scarso valore come cavi di ricarica o monete. E se qualcosa deve finire nel bagagliaio, conviene sistemarlo prima di arrivare a destinazione, non davanti a occhi indiscreti.

Il terzo è una regola secca: mai lasciare i finestrini abbassati, nemmeno di poco.

L’insidia del telecomando

Il quarto punto riguarda una tecnica sempre più diffusa.

Esistono sistemi in grado di clonare il codice del telecomando dell’automobile, consentendo ai ladri di replicarlo e aprire il veicolo. Per questo l’indicazione è di chiudere l’auto con la chiave.

E se possono sembrare superati, dispositivi come il bloccasterzo o il blocca pedali restano strumenti validi.

La copertura assicurativa

Il quinto suggerimento riguarda la polizza contro il furto, da aggiungere alla responsabilità civile obbligatoria.

Può essere sottoscritta in qualsiasi momento e tutela il proprietario non solo in caso di furto totale o parziale, ma anche per i danni causati al veicolo durante lo scasso.

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E hanno appena deciso una finale europea.

Cosa è successo nel tuffo

Nella finale dei 50 farfalla agli Europei di nuoto, Noè Ponti è entrato in acqua e gli occhialini si sono capovolti, scivolando tra il naso e la bocca.

In una gara che dura poco più di ventidue secondi non c’è tempo per rimediare. Non c’è una virata in cui sistemarsi, non c’è una vasca di ritorno.

Il ticinese ha nuotato comunque, chiudendo in 22″91. Ottavo e ultimo posto.

Quanto è costato quel dettaglio

I numeri raccontano l’entità della beffa meglio di qualsiasi commento.

Poche ore prima, in semifinale, Ponti aveva fermato il cronometro a 22″53, ad appena due centesimi dal proprio record nazionale svizzero.

La finale è stata vinta dal russo Egor Kornev in 22″52, davanti al francese Maxime Grousset con 22″54 e al bielorusso Grigori Pekarski con 22″68.

Quel 22″53 della semifinale, quindi, sarebbe valso l’argento per un solo centesimo. E considerando che in finale i tempi tendono a migliorare, l’oro era a portata.

Lo scarto tra ciò che ha nuotato e ciò che aveva già dimostrato di saper nuotare è di 38 centesimi.

Chi è il nuotatore beffato

Non si trattava di un outsider capitato per caso in finale.

Il venticinquenne del Canton Ticino ha collezionato medaglie a Mondiali ed Europei nei 50, 100 e 200 farfalla, con l’apice nel bronzo dei 100 alle Olimpiadi di Tokyo 2021.

C’è di più: detiene il record del mondo in vasca corta proprio nei 50 farfalla, con il tempo di 21″32.

Era il favorito per tempi, continuità e status internazionale.

Le sue parole

Ai microfoni della televisione svizzera il nuotatore non ha nascosto la frustrazione.

“Ho perso gli occhialini nel tuffo. Quindi niente, ho cercato di fare del mio meglio, però ovviamente con gli occhi aperti in ogni caso e avendo su le lenti, che non è la cosa più piacevole del mondo”, ha raccontato.

E ha aggiunto un dettaglio che trasforma l’episodio in qualcosa di più di un incidente isolato: “Dovrò cercare un nuovo paio di occhialini, perché è già capitato troppe volte in gara che li perdessi”.

Sulla condizione fisica nessun dubbio: “Peccato, perché mi sentivo molto bene, però è andata così. Stavo bene, non ero neanche nervoso, anzi ero molto carico e tranquillo. Ho perso gli occhialini e probabilmente mi sono sconcentrato anche subito dopo il tuffo”.

La chiusura è la più diretta: “Però questo lo sport, domani ho un’altra gara, quindi si volta pagina. Cosa provo adesso? Mi girano le palle, però è normale”.

La reazione immediata

Il giorno successivo ha risposto nel modo più efficace.

Nelle batterie dei 100 farfalla ha piazzato il miglior tempo assoluto, 50″47, lasciandosi alle spalle Kristof Milak con 50″81 e lo stesso Maxime Grousset con 51″03.

Il percorso verso la finale era ancora aperto al momento della rilevazione.

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